miércoles, 26 de junio de 2013

Música, emociones y neurociencia



26 comentarios

  • ¿Qué dice la neurociencia sobre las emociones evocadas por la música?
  • ¿Cómo el cine se aprovecha del poder de la música?
  • Punset entrevista a Stefan Koelsch, profesor de psicología de la música
Ampliar fotoStefan Koelsch, prof. de psicología de la música, Freie Universität Berlin
Stefan Koelsch, prof. de psicología de la música, Freie Universität BerlinREDES / tve
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El cantante Manolo García nos explicará la unión que experimentan los músicos con su público en los recitalesREDES - tve
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Redes
Eduardo Punset y su equipo han logrado demostrar que ciencia y entretenimiento se pueden unir para que en este tercer milenio la ciencia, por fin, irrumpa en la cultura popular.
El programa se emite en La 2, todos los domingos, a las 21:30 horas; y se repite los domingos, a las 3:15 horas, y los jueves, a las 13:00 horas.
y en el Canal 24 horas, según el siguiente horario:
  • Los jueves, a las 15:00 horas
  • Los viernes, a las 21:00 horas
  • Los sábados, a las 10:30 horas
EDUARD PUNSET (REDES)EDUARD PUNSET (REDES) 25.07.2012
¿Qué dice la neurociencia sobre las emociones evocadas por la música? ¿Cómo el cine se aprovecha del poder de la música para dirigir a los espectadores?
Punset entrevista a Stefan Koelsch, prof. de psicología de la música, Freie Universität Berlin.
El cantante Manolo García nos explicará la unión que experimentan los músicos con su público en los recitales.
Somos criaturas musicales de forma innata
desde lo más profundo de nuestra naturaleza.

Stefan Koelsch
Eduard Punset:
El gran músico Stephan Koelsch, músico y psicólogo y el mejor neurólogo, es el que nos ha puesto de manifiesto que nada influye tanto, tiene un impacto tan trascendental sobre el cerebro, como la música.
Sabes, algunos de tus amigos me dicen que nada tiene más impacto sobre el cerebro que la música en el sentido de que afecta la memoria, incluso afecta el movimiento, las emociones, lo afecta prácticamente todo. Quiero decir, ¿la música es tan importante o crees que no hay para tanto?
Mientras producen sonidos, los escuchan y los coordinan con sus propios movimientos y con su propia producción de sonidos, los que hacen música recuerdan lo que han producido antes, así como lo que producirán después
Stefan Koelsch:
Creo que es muy importante y que, de hecho, se le podría dar la vuelta a la pregunta y plantearnos si hay alguna parte del cerebro que no se vea influida por la música. Así pues, ¿qué está ocurriendo en el cerebro de los que hacen música?
Mientras producen sonidos, los escuchan y los coordinan con sus propios movimientos y con su propia producción de sonidos, recuerdan lo que han producido antes, así como lo que producirán después. Quizás recuerden la canción, la letra… Se miran, se genera actividad emocional.
En general, cuando la gente compone música en común, se lo pasa bien, disfruta estando con los demás, disfruta comunicándose con los otros y todos esos procesos diferentes hacen que el cerebro humano se comprometa con toda su riqueza y colorido, por decirlo de alguna manera.
Eduard Punset:
Este mundo de la música parece tan dirigido por las emociones... Según parece, has llevado a cabo unos experimentos en Camerún.
Lo que intentaste demostrar en aquel experimento fue que la cultura, una cultura concreta, no afectó las emociones inspiradas por la música, es decir, juntaste un aborigen, un ingeniero muy sofisticado, procedentes de dos hemisferios del mundo totalmente distintos y, sin embargo, reaccionaron igual.

Las emociones y la música

Stefan Koelsch:
Fue un estudio sobre el reconocimiento de las emociones en la música. Uno de mis estudiantes de doctorado viajó al norte de Camerún e hizo una investigación con personas que nunca habían escuchado música occidental antes.
Estas personas fueron capaces de decir: “esta pieza suena bastante alegre, esta otra bastante triste y aquella bastante aterradora”. Suponemos que es porque en la tradición musical occidental la música triste imita la prosodia de una voz triste: tonos bajos que van disminuyendo el timbre, por ejemplo, un tempo que no sea rápido, sólo pequeñas variaciones de tono.
Parece ser que cuando se codifica en forma de música, aunque nunca hayamos escuchado dicha música antes, somos capaces de reconocer qué emoción expresa la pieza en cuestión.
cuando se codifica en forma de música, aunque nunca hayamos escuchado dicha música antes, somos capaces de reconocer qué emoción expresa la pieza en cuestión
Eduard Punset:
Déjame que te haga otra pregunta. ¿Por qué cuando estoy triste y me siento solo –algo que me ocurre muy raramente, pero a veces puedo sentirme triste y solo– por qué la música me anima si es algo, sabes, movido, “pam pam pam pam”?
Y, en cambio, cuando estoy muy excitado, ¿por qué pasa al revés, la otra música me calma? Quiero decir, ¿cómo puede ser que la música te anime o, por el contrario, te tranquilice? No me parece demasiado lógico.
Stefan Koelsch:
Eso nos muestra que, en primer lugar, la música tiene esa capacidad de ayudarnos a cambiar nuestro estado de ánimo, si lo deseamos. Desde la neurociencia sabemos que la música es muy poderosa a la hora de activar cada una de nuestras estructuras emocionales en el cerebro.
Cuando llevamos a cabo experimentos neurocientíficos, vemos que podemos modular la actividad en prácticamente cualquier estructura cerebral emocional gracias a las emociones que despierta la música.
la música tiene esa capacidad de ayudarnos a cambiar nuestro estado de ánimo, si lo deseamos
Esto significa que la música es capaz de evocar el núcleo mismo, el núcleo de las estructuras cerebrales responsables y creadoras de nuestro universo emocional, algo muy importante también para las terapias donde podemos intentar aplicar la música para ayudar a aquellos pacientes que padecen trastornos de sus estructuras cerebrales y que están relacionados con las emociones, que tienen algo que ver con las emociones, no sólo la depresión sino también el trastorno provocado por un estrés post-traumático, en parte también los trastornos por ansiedad, los individuos que han padecido traumas a causa de abusos u otras causas, por lo que tenemos un amplio horizonte a la hora de aplicar de forma más sistemática y generalizada la música como terapia.

Los niños autistas

Eduard Punset:
He leído algo en alguno de tus artículos sobre los niños autistas. Parece que escuchan o aprehenden la música igual que los niños no autistas. ¿Es posible? Quiero decir, ¿sienten la música del mismo modo? ¿No existe la diferencia que sí que encontramos en el caso del lenguaje o en su capacidad para empatizar con otros o…?
podemos modular la actividad en prácticamente cualquier estructura cerebral emocional gracias a las emociones que despierta la música
Stefan Koelsch:
De momento es muy difícil contestar a tu pregunta porque no tenemos suficientes estudios neurológicos sobre la relación entre niños autistas y la música.
Pero lo que sí sabemos es que los niños autistas sienten un gran interés por la música y son propensos a componer música con otros. En entornos terapéuticos también es cierto que resulta difícil comunicarse con ellos a través del lenguaje, en cambio, es más fácil hacerlo a través de la música.
Eduard Punset:
De la música.
Stefan Koelsch:
De hecho, algunos de nuestros estudios han probado que la música puede comunicar información, no es algo que simplemente crean los terapeutas de la música y que no tenga base científica.
También estamos determinando qué instrumentos musicales pueden fomentar la empatía y el reconocimiento de las emociones; es algo que estamos probando con niños autistas pero también dentro del currículum escolar de los niños en general porque es una forma divertida de experimentar las emociones, de aprender a reconocer las emociones y otras cosas, de encontrar nuevas formas de expresar las emociones, de ampliar el vocabulario referente a las emociones.

El elemento social de la música

Eduard Punset:
Lo realmente fascinante es esa cohesión social que tú señalas en la música, no es tanto una cuestión individual, como cree mucha gente, sino que el impacto es social y une a la gente. Es algo tremendamente social, ¿verdad?
La música despierta en nosotros todas esas funciones sociales cuando la hacemos juntos
Stefan Koelsch:
Sí, y no sólo es cierto sino que creo que es una de las cosas especiales que tiene la música, uno de los grandes poderes de la música. La música despierta en nosotros todas esas funciones sociales cuando la hacemos juntos.
Como humanos, somos una especie social y no podríamos haber sobrevivido a lo largo de la evolución sin cooperar ni comunicarnos, si no hubiésemos manifestado un comportamiento social con otros individuos.
Mientras hacemos música, volvemos a vivir todas esas experiencias y ponemos en marcha todas esas funciones sociales, es decir, averiguamos qué quiere el otro o qué intenta o qué desea o qué cree, sin que nos lo diga explícitamente.
Hay experiencias emocionales en las que después de hacer música juntos, todos nos sentimos felices mientras antes, en cambio, quizás estábamos enfadados.
Y el resultado de todo ello es esa especie de cohesión social, nos gustamos más que antes, estamos más unidos que antes, confiamos más los unos en los otros, pensamos que el otro nos ayudará cuando nos sintamos solos o tengamos un problema.
Eduard Punset:
¿Podríamos decir que si habláramos menos y escucháramos más música habría más altruismo en la sociedad?
la gente no puede mentir con la misma facilidad cuando canta
Stefan Koelsch:
Creo que deberíamos hacer ambas cosas, si bien es cierto que existen algunas sociedades donde, si dos personas están enemistadas y acuden a los tribunales –no es un tribunal real porque no tienen la organización social que tenemos nosotros– se espera de ellos que canten, no pueden pelearse.
Bueno, pueden exponer el motivo del enfrentamiento pero tienen que cantar el motivo de la pelea.

Eduard Punset:
Así es, resulta increíble.
Stefan Koelsch:
Porque la gente no puede mentir con la misma facilidad cuando canta y se enfrentan unos a otros de una manera mucho más cooperativa, de un modo que tiene mucho más sentido que cuando simplemente nos gritamos.

¿Nacemos con la música?

Eduard Punset:
Esto me lleva a una pregunta muy importante para la que imagino que aún no tienes una respuesta definitiva. Me gustaría saber si se trata de una capacidad innata o si es algo que adquirimos, quiero decir, la capacidad de entender la música.
Hay un famoso experimento –algunos miembros de tu equipo participaron en él también– que muestra cómo bebés de sólo tres días pueden reaccionar a la música. Así que, realmente, si alguien que tiene sólo tres días puede reaccionar a la música probablemente estamos hablando de algo que es innato, ¿no?
Somos de forma innata, desde lo más profundo de nuestra naturaleza, criaturas musicales
Stefan Koelsch:
Estoy totalmente convencido de ello, sí. Somos de forma innata, desde lo más profundo de nuestra naturaleza, criaturas musicales, muy musicales, todos nosotros. Y hay una buena razón para ello: además de que nos permite desempeñar todas esas funciones sociales mientras hacemos música, también necesitamos esas capacidades para aprender a hablar.
Cuando nacemos, no sabemos qué significa “pechos”, “leche”, “beber” o “sorber”, pero aprendemos a hablar al escuchar los sonidos musicales del lenguaje y así es como los niños aprenden a hablar, escuchan la música del habla y al hacerlo también entienden el lenguaje. No es el único aspecto del lenguaje que…
Eduard Punset:
Que aprenden.
Stefan Koelsch:
Sí, no es el único aspecto del lenguaje que aprenden pero, evidentemente, es algo muy importante. Afortunadamente somos muy musicales porque sino nos costaría mucho aprender a hablar o aprender idiomas.
Eduard Punset:
Es gracioso porque lo que dices es que hay una especie de canción, una especie de forma musical de hablar con los bebés como lo hacen las cuidadoras: “ah, ah, ah, ah, ha, ha, ha”, ya sabes, en realidad no les hablas, más bien les cantas.
Y según parece, dices que esto es lo que entiende el bebé. Se ha demostrado que cuando las madres hacen “tanananananana” al hablar con sus hijos, esto es muy bueno.
para que nos entiendan es importante jugar con la entonación
Stefan Koelsch:
Bueno, está claro que para que nos entiendan es importante jugar con la entonación. No sólo los adultos se entienden mucho mejor cuando no hablan con una voz monocorde sino que le ponen una cierta entonación y ritmo.
En el caso de los niños, también es muy importante pues hay estudios que demuestran que si los padres no hablan con sus hijos jugando con la entonación los niños son mucho más susceptibles de padecer trastornos del habla y del lenguaje.
Eduard Punset:
Es increíble, ¿verdad? Es fantástico.
Stefan Koelsch:
Sabes, sólo con escucharte –“increíble”, “¿acaso no es fantástico?”, “increíble”, “¿acaso no es fantástico?”–, ya hay un cierto ritmo y, además, tienes una voz muy melódica, tu voz sube y baja, sabes, me muestras subiendo y bajando el tono, yendo más rápido y más despacio, dónde están los límites de las frases, dónde se acaba la frase, cómo te sientes, cuánto deseas que algo ocurra, qué deseas, cuáles son tus intenciones, y cosas semejantes.
Eduard Punset:
¿A quién se le ocurriría entonar una melodía para pedir una pizza en el restaurante? Hasta hace poco, creíamos que la música solo servía para transmitir emociones, pero Koelsch ha demostrado que también puede comunicar información semántica, como las palabras.
Si después de oír la frase "me gusta el café con azúcar" nos dan a elegir dos palabras ("leche" o "cortina"), siempre escogeremos "leche" porque tiene más coherencia semántica con la frase. Esa coherencia desata una reacción en el cerebro que se puede medir y que sucede también al escuchar música.
Por eso, después de escuchar el Terceto de cuerdas de Schönberg, todo el mundo elige la palabra "aguja". Resulta que Schönberg había dicho que esa música era una descripción de las punzadas que había sentido durante un infarto.
Stefan Koelsch:
A menudo, cuando hablamos de emociones utilizamos palabras para referirnos a algo que sentimos en nuestro cuerpo. Wittgenstein lo denominó “Empfindung” (“sensación”, en castellano).
cuando utilizo una palabra para referirme a una sensación de mi cuerpo y tú utilizas la misma palabra, ¿cómo puedo estar seguro de que nos estamos refiriendo a lo mismo?
Ahora bien, cuando utilizo una palabra para referirme a una sensación de mi cuerpo y tú utilizas la misma palabra, ¿cómo puedo estar seguro de que nos estamos refiriendo a lo mismo?
Dado que no existe una correspondencia unívoca en el cerebro entre nuestras sensaciones, por un lado, y nuestros centros lingüísticos, por el otro, tiene que producirse una transformación de la información desde las sensaciones al…
Eduard Punset:
Lenguaje.
Stefan Koelsch:
Al código lingüístico.
Eduard Punset:
Y nunca se sabe…
Stefan Koelsch:
Y nunca se sabe. Pero, ¿y si utilizamos la música?, ¿y si utilizo la música para evocar algo en ti, sensaciones o “empfindung” que se parezcan a los “empfindung” y sensaciones que tengo en mi cuerpo?
A veces, la música puede hacerlo mejor. Con la música podemos comunicar esa información incluso sin que se vea distorsionada por las palabras.
el lenguaje es un instrumento maravilloso para confundir a los demás
Eduard Punset:
De hecho, a menudo le digo a la gente o les recuerdo que el lenguaje no es como ellos creen, algo para hacerse entender sino que es un instrumento maravilloso para confundir a los demás. Creo que en el caso de la música no se puede decir lo mismo, es más veraz. 
O sea que, realmente, si niños que sufren autismo pueden comunicar con otros mediante la música de una manera que no lo pueden hacer con las palabras, si ellos pueden empatizar, ponerse en el lugar de los demás entonces, yo creo que no hay ninguna duda de que no tienen más que ganar con la música y no es seguro que siempre sea así con las palabras.Lee participa y agrega nuevos enlaces para hacer crecer este blog... gracias

Plan Nacional de Música.NOTICIA


En la semana del 24 al 28 de junio, se da el segundo encuentro de los 73 directores provenientes de 23 departamentos más Bogotá que adelantan el Diplomado en Dirección de Bandas, coordinado por ASODIBANDAS.Este Diplomado se transmite on-line por: http://asodibandas.com/index.php/senal-en-vivo


































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jueves, 20 de junio de 2013

Guías de iniciación a los instrumentos de la orquesta Las maderas



Manual de gestion de bandas

Guia de iniciacion a la flauta traversa
El  clarinete
Guia de iniciación a el  Clarinete


Los clarinetes pertenecen a la familia de instrumentos de viento de madera y normalmente pueden empezar a tocarlos los niños a partir de los ocho años. En el pasado el clarinete sólo se solía encontrar en orquestas pero hoy en día también se puede escuchar a menudo en grupos de Jazz o Klezmer (*).clarinetecolores
Se compone por un tubo generalmente de madera de  ébano, (aunque ahora se construyen también clarinetes de plástico) con perforaciones cilíndricas en el, y una embocadura con una lengüeta simple, como la del saxofón, de forma rectangular y delgada por el extremo que se introduce en la boca. Al principio se sujetaba la lengüeta a la embocadura mediante un hilo enrollado, pero en la actualidad se usa un anillo de metal con tornillos. También podemos ver en él veinte o más agujeros que se tapan con las manos del interprete o con llaves.
De timbre fluido y variable, propicio para distintos tipos de expresión. El registro grave se llama chalumeau y produce sólo sonidos fundamentales, mientras que el agudo (de sonidos armónicos) se denomina clarín. Los armónicos son obtenidos mediante un agujero especial: el portavoz.
Su extenso ámbito y su agilidad para pasar de un registro a otros son algunas de sus principales características. El registro grave es clarinetescatalogado como amenazador y misterioso y el agudo, como brillante. Participa en estilos como el jazz o la música klezmer judía, gracias a su amplia paleta expresiva. El clarinete posibilita todos los trinos y casi todos los trémolos, con contadas excepciones. Su agilidad se demuestra en una literatura repleta de escalas, arpegios y secuencias veloces de notas, combinando sin dificultad el legato y el staccato, aunque sólo de articulación simple, pudiendo interpretar trémolos dentales. Se destaca también por su capacidad de portamento y glissando para deslizarse entre las notas.
Asume la tesitura de contralto, aunque su incumbencia abarca desde el tenor al soprano.
Es un instrumento transpositor que se fabrica con diferentes registros, y puede tener de 3 a 4 octavas.
Tiene un sonido melancólico en sus notas grabes y alegre en sus notas agudas.clarinete
El tipo de clarinete más utilizado es en si bemol.
Se ubican frente al director, en la primera línea de las maderas, detrás de los arcos.
Los clarinetes forman parte de la orquesta ( en la que es elemento fundamental) desde 1780, así que es moderno. Proviene del chalumeau popular francés. Hacia el 1700 Denner le dio el diseño actual con el agujero portavoz. Antes, hubo otros que se caracterizaban por un tubo cilíndrico y una lengüeta simple, que podía estar cortada directamente sobre el mismo tubo. Sus raíces se encuentran en el Antiguo Egipto, hace 5.000 años. El clarinete se extendió por todo el mundo, especialmente por Europa y el norte de África.
Escribieron piezas para clarinete: Haendel, Mozart, Beethoven, Weber, Schumann, Brahms, Liszt …
Podemos oír una de las piezas más representativas de este instrumento, compuesta por Brahms para clarinete y piano, el primer tiempo de la Sonata nº 1 en fa menor, las imágenes pertenecen a la obra del pintor hiperrealista Imán Maleki :
Según el diario de Schumann, estos tres fragmentos cortos fueron escritos el 11 y 12 de febrero de 1849, tras una ejecución privada el día 18 a la que le acompañó Clara (su mujer). El manuscrito (conservado en la Biblioteca Nacional de París) presenta traza de abundantes retoques.  Cada página, explota al máximo984Schumann_Robert_and_his_wife_Wieck_Clara_lrg las sonoridades nostálgicas del clarinete en la, de timbre aterciopelado, elegante (los románticos con frecuencia lo preferían al clarinete en si bemol). De pieza en pieza, el tempo se acelera, pero el compás de 4/4 y los tresillos del acompañamiento pianístico permanecen. Se observan melodías asímétricas y piano y clarinete frecuentemente se doblan, lo que son características del último Schumann. Los tres fragmentos se suceden sin interrupción (attaca).
1. Zart und mit Ausdruck (“Tierno y con expresión”, la menor): la primera página del ciclo establece un clima elegíaco: la tierna melodía del clarinete dialoga con los tresillos del piano. En la sección central, los dos instrumentos intercambian arpegios por movimiento contrario.
2. Lebhaft, Leich (“Vivo y ligero”, la mayor): este ligero scherzo, en modo mayor, utiliza un juego dialogado más animado. EL episodio central (una vez más, en fa mayor), se basa en un intercambio de escalas en tresillos.
3. Rasch, mit Feuer (“Rápido y con fuego”, la mayor): una especie de variación conclusiva que retoma los elementos precedentes: el primer fragmento en el trío (en modo menor) y el segundo en la coda. La escritura es brillantemente arpegiada, en la más pura tradición del clarinete.
(*) El klezmer (etimológicamente del hebreo, “instrumento musical”) es la música de los judíos askenazíes de Europa Oriental. En el siglo XV, grupos seculares no litúrgicos desarrollaron este tipo de música y se les denominó klezmorim. Ellos se inspiraron en el antiguo testamento para crear melodías con temáticas de celebración y alegría.
Originalmente el término klezmer se refería a los instrumentos musicales con los que se interpretaba, sin embargo, más tarde se extendió tanto al género como a los músicos en sí mismo, que hoy son llamados klezmorim.
El klezmer es facilmente reconocible por sus características melodías expresivas, con reminiscencias de la voz humana, con la incorporación de risas, llantos y aullidos. El klezmer asume la propia tradición de la música jasídica y le incorpora sonidos, instrumentos y modos de interpretar de aquellos países en donde los judíos de la diáspora habitaban.

El  oboe


oboe
El oboe es un instrumento musical de la familia viento madera, de taladro cónico, cuyo sonido se emite mediante la vibración de una lengüeta doble que hace de conducto para el soplo de aire. Su timbre se caracteriza por una sonoridad penetrante, mordente y algo nasal, dulce y muy expresiva.oboe_1
Conocido desde la Antigüedad, el instrumento ha evolucionado en el espacio y el tiempo con una amplia diversidad fruto de la creatividad de las civilizaciones y culturas, que han permitido que siga usándose en la actualidad. Los oboes tradicionales (bombarda, cornamusa, duduk, gaita, hichiriki y zurna) y los oboes modernos (oboe pícolo, oboe, oboe de amor, corno inglés y oboe barítono) forman una gran familia con múltiples facetas.
Empleado en solo, música concertante, música de cámara, orquesta sinfónica o banda musical, el oboe moderno representa en la orquesta al conjunto de la familia. Las obras para oboe proceden esencialmente del repertorio barroco (Bach) y clásico (Mozart), y tras su renacimiento, del Siglo XIX  (Robert Schumann) hasta nuestros días (Berio).
oboesSegún la RAE, la persona que toca el oboe se denominaoboísta.
La familia de los oboes se toca a través de una doble caña. Esta está hecha de dos piezas de una delgada caña, confinadas juntas alrededor de un pequeño. Consta de un tubo de madera y de una lengüeta doble. El tubo es como el molde de la columna de aire. Sobre él se hacen los orificios y se colocan las llaves. Su forma es cónica. La base del tubo, o sea el pabellón, se ensancha y toma casi la forma de un embudo. Se deja un pequeño espacio entre las dos piezas, así, al pasar el aire a través de ellas produce su vibración.
El oboe está construido en tres partes: la cabeza o cuerpo superior del instrumento, donde va colocada la mano izquierda y se introduce la caña por una pequeña abertura; la parte mediana o cuerpo inferior del instrumento, donde se coloca la mano derecha; y el pabellón o campana, que es la prolongación ensanchada de la parte o cuerpo inferior. Todas estas partes o cuerpos del instrumento encajan unas con otras por medio de una especie de espigas recubiertas de corcho.
Partes_del_Oboe2

Aunque en principio existen tres tipos de oboes: tradicional, barroco y moderno, en la que puede apreciarse la evolución y desarrollo de las llaves,así como la madera y la forma del taladro,la campana y la lengüeta.
 Cu_oboe
El oboe pertenece a una extensa familia:
  • Oboe pícolo (en francés oboe musette). Se utiliza en raras ocasiones. 
  • Oboe. Afinado en do; por tanto no es un instrumento transpositor.
damore1
  • Oboe de amor (del italiano oboe d’amore). Posee una campana piriforme (en forma de pera) y una pieza de metal saliente en el extremo para sujetar la lengüeta llamada bocal, característica que mantendrán los siguientes miembros más graves de la familia.
  • Corno inglés este Corno Inglés, ni es Inglés, ni es cuerno. No está claro como se llegó a formar este nombre. Una teoría es la de que el nombre es una corrupción de “cor anglé”, que significa “cuerno curvado” (si se observa detalladamente el extremo superior del instrumento, se verá el tubo de metal curvado). El sonido de este instrumento no es tan penetrante como el del oboe, pero es igual de ágil, el Corno Inglés es especialmente bello cuando toca una melodía suave y sostenida.
    Es muy apreciado por su sonido y se emplea en numerosos solos orquestales. Tras el oboe suele ser el instrumento de la familia más empleado en formaciones numerosas.
  • Oboe bajo o barítono. Afinado en do, una octava inferior. Su notación es la misma que la del oboe en clave de sol, pero su sonido real es una octava por debajo de lo escrito. Se emplea en raras ocasiones.
  • Heckelfón. Inventado en 1906 por Wilhelm Heckel de Biebrich-am-Rhein. Afinado en do, una octava inferior, se caracteriza por su gran esfera de resonancia120px-Heckelphone en el pabellón y que se mantiene apoyado en el suelo con una pica (como el violonchelo, por ejemplo). Utilizado por Richard Strauss en SaloméElektra o la Sinfonía alpina; y Paul Hindemith en su trío para viola, heckelfón y piano. Se discute si este oboe pertenece a la familia, dado que se suele confundir con el oboe bajo. También existe un heckelfón pícolo, homólogo al oboe pícolo (en fa), del que se hicieron muy pocas unidades.
Este instrumento se ha utilizado también para otros tipos de música al margen de la clásica como jazz, rock, pop, popular, etc.


El fagot y el contrafagot


El fagot debe su existencia a la necesidad musical de ampliar la región grave del sonido; se trata de un singular instrumento de madera, de tubo cónico y provisto de doble lengüeta, por cuya naturaleza a sido considerado como un bajo del oboe.fagots
El interior del cuerpo del fagot está constituido por dos tubos que se comunican entre sí en su parte inferior, cuyos canales describen una V; dicha angulación presenta múltiples ventajas con respecto a otros instrumentos con lengüeta y registro grave que poseen un trazo interno, longitudinal y único, como es el caso de las antigäs bombardas, las cuales, muy estimadas durante el primer tercio del Renacimiento, fueron perdiendo el beneplácito de los músicos debido a su poca funcionalidad. Anhelando ejemplares verdaderamente bajos, los artesanos renacentistas acometieron la construcción de bombardas con un cuerpo no inferior a los cuatro metros de longitud. Su aparatosidad les llevó a idear esa angulación interna del tubo, con la que se redujo a la mitad la longitud real del instrumento; pero esos intentos no cuajaron en el fagot, sino en su inmediato antecesor, el dulcián.
El fagot tiene un tubo de unos 2 1/2 mts. de largo, el cual está doblado sobre si mismo para hacerlo manejable.
Es un instrumento de doble caña como el oboe, y es el bajo natural de la familia de las maderas. A menudo se le llama “el payaso de la orquesta”, debido a los cómicos efectos que puede realizar. También produce sonidos solemnes y gentiles.
Es particularmente efectivo en notas cortas y picadas (staccato).
Otra cualidad del fagot es su habilidad para “empastar” con otros instrumentos, particularmente con otras maderas y con las trompas.
El fagot, además de permanecer en la familia del viento, dentro del fagot hay dos instrumentos más, el fagotino y el contrafagot. El fagotino es un fagot en miniatura, más pequeño, más agudo y afinado en Sol. Se emplea para la enseñanaza debido al gran tamaño del fagot, como, por ejemplo, pasa con el violonchelo y su homónimo el de 3/4. El contrafagot es más grande que el fagot de la familia. Su peso es de 10kg y mide 160 cm. Es igual de madera menos la campana que es de metal. Está en Do como el fagot; acabado en 3 octavas, su nota más grave es el Si b como el fagot, pero algunos acaban en La. Suena una octava más grave que el fagot, utilizando la clave de Fa en tercera, y el fagot en fa en cuarta; pero se utiliza también la clave de fa en cuarta pero transportando una octava.fagot2partes
En las orquestas modernas se suele disponer de dos a cuatro fagotes para que haya un contrafagot cuando sea necesario y uno de ellos hace de solista. Su timbre lo hace adecuado para tonos líricos o cómicos, como por ejemplo el tema del abuelo de Pedro y el lobo. Es un buen bajo  para un pasaje de viento madera o con el papel de los violoncelos. Combina muy bien confagot y contrafagot los otros instrumentos de doble caña, se suele usar para acompañar solos de oboe o corno, y su utilización para presentar pequeñas partes solistas o formando dúos con los vientos es también muy habitual.
En música de cámara normalmente se usa como bajo para casi cualquier combinación de viento madera. Incluso hoy en día tienen un éxito considerable los cuartetos de fagotes.
En la música barroca interpreta la línea del bajo continuo la mayor parte de las veces, a excepción de los conciertos para fagot solista o las sonatas para fagot. En la actualidad cada vez tiene una mayor presencia en las bandas, habiendo hasta cuatro fagotes y contrafagot. Aunque no hay muchos papeles antiguos de banda para fagot. En las obras antiguas o populares en las que no tiene papel puede usar el de bombardino.
El Contrafagot tiene un tubo de algo menos de 5 mts.de largo y está doblado cuatro veces.
Suena una octava inferior al fagot y es el sonido más profundo de la orquesta.
El contrafagot tiene una calidad oscura, ronca y se usa generalmente para dar un bajo compacto a la familia de la madera.
También a menudo refuerza la parte del contrabajo o completa con un bajo fuerte los acordes del metal. Sin embargo puede utilizarse para realizar novedosos efectos de solo.

Espero que os guste esta cuarteo para fagot y … ¿reconocéis el resto de instrumentos?. Su autor es François Devienne (conocido como el “Mozart” francés), podéis ver así este instrumento a tamaño real:


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og... gracias

miércoles, 12 de junio de 2013

Instrumentos Eléctricos y Electronicos

instrumentos eléctricos y electrónicos
 
 
 
 
  1. Conocer el funcionamiento general de los diferentes tipos de instrumentos eléctricos.
  2. Conocer las bases de la síntesis sonora.

En los últimos cien años, la electricidad ha reemplazado a otras formas de energía en numerosas actividades humanas. No es sorprendente, por tanto, que esta corriente haya alcanzado también a los instrumentos musicales.


Instrumentos con amplificación eléctrica
Durante el siglo XIX, empezó a aumentar la demanda de mayor volumen en las representaciones musicales. Como consecuencia se fue concentrando el interés de los fabricantes de instrumentos en la mejora del acoplamiento de la energía de vibración con el aire exterior. De esta forma algunos instrumentos evolucionaron hacia modelos mayores y más costosos, mientras otros mejoraban sus cajas de resonancia.
Con el desarrollo de la tecnología de procesado de señales, aparecieron nuevas posibilidades de solución a estas nuevas necesidades. El proceso podría resumirse de la siguiente forma: la nota es producida por el método tradicional (por ejemplo en la cuerda de un piano) y transformada en una señal eléctrica que después es amplificada para volverla a transformar en una señal acústica.
Existen varias formas de realizar la transformación de una vibración en corriente eléctrica. En todas ellas se utilizan transductores, que son dispositivos que convierten una forma cualquiera de energía en otra. El dispositivo más utilizado en los instrumentos con amplificación eléctrica es el transductor electromagnético.

 

 

Instrumentos con generación eléctrica completa
El siguiente paso fue eliminar el generador sonoro (cuerda, varilla,...) y sustituirlo por otro de origen eléctrico.
En la actualidad es posible construir circuitos eléctricos que produzcan una señal oscilatoria armónica, es decir con una única frecuencia. Además, es posible combinar este tipo de señales y producir ondas más complejas. Cuando se empezaron a diseñar instrumentos musicales con estos circuitos, hubo que elegir cómo hacer el cambio de frecuencias para conseguir la escala musical. Una forma era utilizar un circuito diferente para cada una de las notas de la escala, y una serie de interruptores para poner en marcha cada circuito. Otra, era el procesado de señales. Las casas comerciales utilizan esta segunda alternativa.

 

Aunque los órganos electrónicos son los instrumentos más populares de este grupo durante los años 20 y 30 se crearon otros instrumentos como el trautonio, el esterofón, ...

Sintetizadores
Con el desarrollo de la electrónica y la aparición de las computadoras se pudo empezar a aplicar el conocimiento teórico del análisis espectral, que Fourier había desarrollado anteriormente, y producir sonidos con un contenido armónico cualquiera (síntesis sonora). El éxito empezó a aparecer cuando se descubrió que las notas musicales producidas por un instrumento tradicional cambian continuamente con el tiempo, y que este cambio temporal es característico del instrumento. Por tanto no es suficiente tratar una nota musical como una superposición de armónicos estables, sino que hay que tener en cuenta también los transitorios (ataque y extinción), en los que se producen sobretonos que no son armónicos del fundamental.
Los sintetizadores son aquellos instrumentos que generan sonido utilizando uno o varios métodos de síntesis. Actualmente, la mayoría genera y procesa la señal de forma digital, convirtiéndola en analógica a la salida. La forma más común de sintetizador es la de un órgano electrónico, que incluye un teclado y mandos para controlar el timbre.
Podemos clasificarlos en no programables y programables. Los primeros constan de una serie de sonidos “enlatados” que el usuario selecciona pero no puede variar. Los sintetizadores programables pueden crear sus propios sonidos. Constan de tres partes: controles de interpretación musical, controles de programación y sistema de generación sonora.
La síntesis electrónica de sonido puede realizarse generando y modificando todo tipo de sonidos originales. El dispositivo elemental más importante para la síntesis es el oscilador. Su efecto consiste en repetir cíclicamente una forma de onda determinada, produciendo así una oscilación periódica. Esta señal periódica puede variar con sus parámetros de entrada: forma de la onda, frecuencia y amplitud. Los timbres que se obtienen de un oscilador son electrónicos, ya que su espectro es armónico y se mantiene siempre fijo. Sin embargo pueden enriquecerse aplicándoles envolventes y modulaciones a distintos parámetros. Las señales obtenidas con los osciladores pueden ser procesadas para obtener sonidos de determinadas características.





CUESTIONES
a En un instrumento con amplificación eléctrica, la electricidad se utiliza para
  1. producir las notas
  2. amplificar el sonido
  3. producir la vibración inicial
  4. producir la vibración inicial y amplificar el sonido
b El transductor electromagnético de un instrumento con amplificación eléctrica se utiliza para
  1. transformar una vibración en señal acústica                                                      
  2. transformar una vibración en corriente eléctrica                                                     
  3. transformar una señal acústica en vibración                                                            
  4. transformar una corriente en vibración
c En un órgano eléctrico, la generación sonora es de origen
  1. magnético
  2. mecánico            
  3. eléctrico
  4. acústico
d Un sintetizador programable               
  1. puede emitir sólo un número de sonidos programados
  2. no puede crear sus propios sonidos                  
  3. no puede variar una serie de sonidos
  4. puede crear sus propios sonidos
e En la síntesis aditiva se parte de 
  1. una señal pobre en armónicos                                                            
  2. un número abundante de armónicos                                      
  3. una señal rica en armónicos                                                              
  4. un número pobre de armónicos
  Soluciones:  a2   b2   c3   d4   e2  

Si desea ampliar sus conocimientos, pueden resultarle útiles los recursos que se encuentran referenciados en el apartado  del enlace

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